Fulano volviendo a los escenarios de la capital. Lee lo que sigue

La venida del trío canadiense a nuestro país se ha transformado casi en el cuento de Pedrito y el Lobo, desde hace muchos años que se comenta, que se menciona y rumorea.
El 2008 estuvimos cerca de tenerlos pero cuentan las malas lenguas que se le dio la preferencia a Madonna para que usara el Estadio Nacional en desmedro de la banda de Geddy Lee, tal vez eso no pasa de ser un voladero de luces y la verdadera razón de su no-venida es la carga y compromisos de recitales en otras latitudes del mundo, pero claro, le buscamos la maldad y culpamos a la vetusta abuelita Madonna (es abuela o aun no?).

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1.KOBAÏA
2.Aina
3.Malaria
4.Sohia
5.Sckxyss
6.Aurae
7.Thaud Zaia
8.Nau Estila
9.Stoah
10.Muh

Cuando muere Coltrane, uno de los más grandes Jazzeros de todos los tiempos, llega a la tierra desde un lejano planeta llamado Kobaia, una tropa de engendros musicales que venían comandados por un desquiciado enfermo de nombre Christian Vander.
Vader estaba convencido que nunca mas después de la muerte de Coltrane, se podría volver a tocar Jazz, es por eso que crea una nueva sonoridad llamada Zeuhl, la que de todas maneras se asocia inevitablemente a nuestro ya tan conocido Rock in Oposition (R.I.O).

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Hace casi un mes que estamos al aire, primero estuvimos en blogspot y ahora solos, aunque tenemos millones de ideas en mente quisiéramos saber que es el lo que ustedes piensan del blog, porque entran, que les gusta, etc

Es por eso que pusimos la encuesta, queremos “oírlos”, moldear y mejorar aun mas este espacio porque tenemos tantas cosas que decir que queremos encaminarlas mejor.

Respondan la encuesta pues nos va a servir para conocer que esperan del blog, parece que ya hay mucha gente que se ha interesado en conocernos y ojala vengan muchos mas, porque nuestra misión es entregar nuestro humilde conocimiento, puntos de vista y que uds. también nos aporten, todo esto de manera altruista y desinteresada porque lo que nos mueve es la cultura, la música y las cosas importantes, no estamos para ganar plata acá (aunque si algo cae bienvenido sea ).

Esperamos sus opiniones.

Desde el año 1999 que nuestro país premia a los mejores y mas destacados exponentes musicales nacionales, en música clásica o selecta, popular y raíz folclórica, esas son las tres categorías de premiación.

Este año los ganadores en cada una de estas fueron, para la docta: Coro Sinfónico de la Universidad de Chile, para el folclor Hiranio Chávez y en música popular el cantautor Manuel García, es precisamente en el líder de Mecánica Popular en quien ahondaremos un poco más.

Manuel nació en Arica y llego hace mas de 10 años a Santiago, se hizo conocido en la banda antes mencionada Mecánica Popular con la cual editaría 3 discos, posteriormente comenzaría en paralelo una carrera solista, en la cual ha editado dos discos, se ha paseado por Chile y el extranjero, ha homenajeado a Victor Jara en versión Sinfónico junto a la Orquesta Sinfónica de Concepción y a cimentado una carrera que ha venido de menos a mas con su particular sello de trova rock que cultiva desde Mecánica.

Ahora bien, ¿que es lo malo con todo esto? Probablemente no encontremos nada malo, incluso quien escribe siente admiración de la música de García, de hecho tengo varios discos suyos lo cual entre comillas me convertiría en un fan que encuentra todo bueno, pero no es así, tampoco es el objetivo de este articulo ensuciar y denostar el trabajo de Manuel pero, ¿no le falta un poco mas de “circo” para ganar este reconocimiento? Si bien tiene mas de 10 años de trayectoria, para el común de los mortales pasa inadvertido, muchos creerán que es una reencarnación de la antigua trova de finales de los 60 o que es uno mas de muchos de este estilo, yo creo que no va la cosa por ahí, pero aun así considero que la repercusión de García no es todo lo incuestionable para adjudicarse este galardón.

También podríamos decir que los premios no miden nada, que son fomes y que no representan muchas veces patrones técnicos y artísticos pues miden mera popularidad, amiguismos, etc, es complicado ponerse de acuerdo y de eso estamos claros, aunque este premio que entrega el estado de Chile a través del Consejo de Cultura y de las Artes cada año y por el cual antes han pasado Inti Illimani, Tito Fernández, Orquesta Sinfónica Universidad de Concepción, Santos Rubio, Palmenia Pizarro, Fernando Rosas, Vicente Bianchi, Luis Advis, Los Jaivas, Los Tres entre otros, ya son figuras rutilantes de nuestra cultura musical, son personas sobre las cuales todos estamos mas o menos de acuerdo, ¿o no? ¿Estamos de acuerdo ahora, pasa eso en esta ocasión?.

Además me gustaría saber los criterios de selección, la terna final, el jurado, etc para entender que es lo que buscan en el galardonado, ¿que sea una agrupación vigente? que represente artísticamente un legado que continua vivo y perdurable, o artistas que dejaron una gran obra pero que ahora ya están retirados? Todas las anteriores?
Pasara también que a todos los que había que premiar ya los reconocieron y los que no ya están muertos? Actualmente hay tan poco de donde elegir?

Ojala que se entienda el sentido del post, porque de verdad me asalta esa duda, de todas maneras yo tampoco se a quien hubiese postulado, usted si? Nos gustaría saber su opinión.

El viejo Comunista

Para mediados de 1969, la trío original de The Jimmi Hendrix Experience estaba disperso (Noel Reading fue separado de la banda) y las ideas y experimentación sonora de Hendrix estaban en un punto de ebullición que iban más allá del rock. Lo que Jimmi quería hacer era rebasar los límites de la música popular y desplegar un sonido más cercano a la fusión del funk, el jazz, el blues y el rock que hasta ese entonces había logrado hacer con la Experience. Sin embrago, se veía restringido por las expectativas que se tenían de él y por las restricciones del mismo mundo del rock. Debido a esto, y a la partida de su bajista original, Hendrix llamó a un antiguo conocido, Billy Cox, para hacerse cargo del bajo. Hendrix y Cox habían sido compañeros en el ejercito y compartieron varias formaciones como músicos de sesión para distintos artista a partir de 1965, así que el fiato no tardo en hacerse presente. Además, Cox era un real bajista, dedicado a su instrumento y con un tempo y pulso preciso, el complemento ideal para Hendrix. Recordemos que Noel Reading era, originalmente, un guitarrista que se presentó a las audiciones para formar la Experience, pero que se dedicó a tocar el bajo para no quedar fuera de la banda, por lo tanto, su trabajo rítmico pronto dejó de interesarle y comenzaron los problemas que luego lo tendrían fuera de la banda.

Completado el nuevo trío, Hendrix estaba listo para cumplir con los compromisos que aún tenía pendiente como The Jimmi Hendrix Experience (como tocar en Woodstock, por ejemplo), sin embargo, para marcar un despegue de la idea original de su banda, Hendrix bautizó a su nuevo proyecto como Gipsy Sun and Rainbows o ,alternativamente, Band of Gypsys. Pero la banda no sólo incluía a Cox y al baterista original de la Experience, Mitch Mitchells, sino que incluyó a otros músicos para así expandir el sonido y las posibilidades rítmicas y musicales de la banda. De esta forma, también formaron parte de Gipsy Sun and Rainbows Larry Lee como guitarrista rítmico, y los percusionistas Juma Sultan y Jerry Vélez. Con esta formación se presentaron en el mítico festival de 1969, cuya actuación fue la encargada de cerrar la jornada de tres días, cuando ya mucha gente se había retirado del lugar (la banda tocó el lunes en la mañana). Esta actuación puede ser vista en un dvd editado hace un par de años o escuchada de forma completa en el disco llamado ‘Jimmi Hendrix live at Woodstock’. Sin embargo, la banda no logra convencer del todo a Hendrix y decide volver a trabajar como trío. Es entonces que la verdadera historia de the Band of Gypsys comienza.

Capitol Records insistió en que tenía un contrato firmado por Hendrix en 1965 que estipulaba la grabación de un disco de material propio y exclusivo para tal casa disquera. Al percatarse de la autenticidad del contrato, Warner decide permitir que Hendrix grabe un disco para Capitol, pero conviene en que el nombre ‘Experience’ no será usado, ya que sólo el guitarrista forma parte del trato. Es entonces que entra en la historia el baterista Buddy Miles, otro antiguo amigo de Hendrix, quien ya había trabajado con Wilson Tickett y The Electric Flag, y quien será elr esponsable de cerrar la formación del nuevo trío con su batería y su voz aguda y potente. Con la banda ya formada, comienzan los ensayos y rápidamente el sonido toma forma y se acerca a lo que Hendrix buscaba, una base funky y la fusión de elementos más jazzeros con el sonido rock de su guitarra y el feedback pesadón que lograba con sus amplificadores. La banda continúa con el nombre Band of Gypsys y anuncia cuatro funciones en dos días en el Filmore East, el 31 de diciembre de 1969 y el primero de enero de 1970. Es durante estas presentaciones que se graba el álbum Band of Gypsys que sería lanzado por Capitol (Polydor, como casa subsiidaria). El disco incluye material original, creado especialmente para la ocasión (’Who knows’, ‘massage to love’ ‘Power to love’, ‘We gotta live together’ y la grandiosa ‘Machine gun’, de larga duración y con feed-back simulando la caída de bombas sobre el mundo incrédulo), además del tema ‘Changes’, de autoría de Buddy Miles. Sin embargo, la banda tocó varios temas originales de la Experience, pero que no son registrados en el disco que salió a la venta, ya que el contrato estipulaba que se trataría de material original y nuevo.

Los shows tuvieron gran éxito de público y ayudaron a cumplir un viejo anhelo de Hendrix: que su música llegara a la audiencia de color, ya que , hasta entonces, Hendrix era visto como un músico negro que hacía música de blancos y CON blancos, por ende, al trabajar con ‘hermanos’, su música tendría mayor sentido y una mejor recepción por parte del público afro-americano. Por ende, the Band of Gypsys significó una especie de segundo debut para Hendrix, un debut para las masas de color (hasta el día de hoy, muchos músicos afro-americanos desde Publica Enemy, pasando por Slash hasta Lenny Kravitz reconocen que su primer acercamiento a la música de Hendrix se debió a the Band of Gypsys y su funky-rock eléctrico).

La banda se presentó por segunda vez en enero del 70’, pero rápidamente se desintegro al verse envuelta en litigios legales entre Capitol y Warner (recordemos que la banda se creó para terminar con el conflicto original) y el management de Hendrix rápidamente concertó varias fechas con la Experience para los siguientes meses. Es así como retorna Mitchells a la banda y las giras continúan. No obstante, aún quedan dando vueltas de forma subterránea e inédita varias horas de sesión de the Band of Gypsys, que algún día debieran ver la luz.

En los comentarios les va el link para Band of Gypsys.

Live with the Edmonton Symphony Orchestra (1972)

1. Conquistador
2. Whaling Stories
3. A Salty Dog
4. All This and More
5. In Held ‘Twas in I: Glimpses of Nirvana/’Twas Teatime at the Circus/In
6. Luskus Delph

Muchos creerán que Procol Harum es solo su famosísima canción “A whiter shade of pale” lo que probablemente es algo certero para el común del publico, pero como en este blog nos gusta buscarle la quinta pata al gato les decimos que esto no es así, al menos para los melómanos.
Esta banda inglesa que tuvo su periodo de fama máxima por allá por fines de los 60 con el famoso hit que ya nombramos, melodía que lograba plasmar gracias a los arreglos para teclado cierta esencia de la música docta, principalmente a Bach unido al sonido del incipiente sonido Beat rockero, la transformaría en una de las pioneras del rock sinfónico y progresivo.
La banda liderada por Gary Broker tendría algo mas bajo la manga, algo mas que su “one hit wonder”, principalmente este disco que les presentamos junto a la Orquesta Sinfónica de Edmonton grabado 5 años después de su exitoso debut, este álbum seria uno de los grandes discos en vivo de la historia de música rock y no es por exagerar pero los 6 cortes demuestran una fuerza, vigor y cohesión pocas veces antes vistos en la mixtura del rock y lo sinfónico.

“Conquistador” tema de 5 minutos que abre el disco es uno de los mejores tracks del disco y de la música sinfónica de los 70, sin lugar a dudas, a medida que continúan a sonar los diferentes temas grabados en Canadá, nos damos cuenta que Procol Harum tuvo un camino de evolución importante a lo largo de su carrera, y “A whiter…” a pesar de ser una gran canción no fue incluida en esta sesión en vivo.
La banda tuvo un receso por allá por el año 77, pero volvió con fuerza y vigor el 91 fecha desde la cual se mantienen hasta nuestros días tocando en los escenarios del mundo, con distintos integrantes y con nuevos discos editados siendo el ultimo una grabación original del año 2003.

Links en comentarios.

Tracklist
01.- Tsunami (11:06)
02.- Crystalline (7:50)
03.- Evaporate (5:53)
04.- Voyage Automatique (13:24)

Hace un tiempo di con una banda Holandesa llamada 35007, si así, nombre de numeritos.

La oí principalmente porque me llamo la atención que comentaban que era una banda de space rock, a lo Porcupine Tree, Ozric Tentacles, en fin algo por el estilo, pero después de escucharla creo que se quedaron cortos.

Porque estos chicos de Eindhoven, lugar de donde son provenientes, son mucho mas que una banda space rock tal y como podrían creer, en su sonido hay una búsqueda un poco mas rockera y pesada por momentos lo que me recuerda a la densidad del post rock y a la potencia del stoner mas experimental, algo como lo que hace Yajaira en nuestro país.

El disco parte con “Sunami”, un temazo de mas de 11 minutos que de verdad nos hace recordar una inmensa ola , que comienza cuando el mar se recoge pero explota en millones de decibeles de guitarras, bajo, sintetizadores y batería, una verdadera explosión, así también es como continua el resto de los temas presentes en este trabajo, como el mar con subidas y bajadas de tono, de sutilezas, de texturas y sabores, todo eso en 4 canciones y no mas de 35 minutos de duración que terminan en uno de los mejores finales de disco que eh oído últimamente, el pegadísimo “Voyage automatique”.

No es mucho lo que podemos hablar de la banda, quizás este post es de los mas largos que dará la búsqueda de google en las paginas en español sobre el grupo, pero por lo que pude investigar les puedo contar que 35007 consta a la fecha con 6 discos editados:

• 1994 Especially For You (Lazy Eye/Semaphore)
• 1997 35007 (aka “Into the void we travelled”, Stickman Records)
• 1999 Especially For You (re-release with different tracklist) (Stickman Records)
• 2001 Sea Of Tranquillity (EP, Stickman Records)
• 2002 Liquid (Stickman Records)
• 2005 Phase V (Stickman Records)

¿Y porque el nombre ese tan raro?
Simplemente porque ese numero corresponde a una relación entre las matemáticas y la música, “la matemática hecha al sonido” como ellos mismos lo dicen, así sin ninguna explicación mas, así de raros son, tan raros como sus presentaciones llenas de imágenes y proyecciones, tan extrañas como sus escasas presentaciones, así que si te topas ante una no dudes en asistir, es por eso que “Liquid” lo debes oír y disfrutar, date ese gusto con este trabajo instrumental que de seguro te dejara marcando ocupado un rato.

La Banda esta compuesta por:
Sander Evers – Bateria
Mark Sponselee – Teclado
Michel Boekhoudt – bajo
Tos Nieuwenhuizen – Guitarra

Link en los comentarios, ahh y visita su web que, ¡esta harto feita! se les olvido enchularla.

1. “Promenade” (Mussorgsky) – 1:58
2. “The Gnome” (Mussorgsky, Palmer) – 4:15
3. “Promenade” (Lake, Mussorgsky) – 1:23
4. “The Sage” (Lake) – 4:40
5. “The Old Castle” (Emerson, Mussorgsky) – 2:31
6. “Blues Variation” (Emerson, Lake, Palmer) – 4:21
7. “Promenade” (Mussorgsky) – 1:28
8. “The Hut of Baba Yaga” (Mussorgsky) – 1:16
9. “The Curse of Baba Yaga” (Emerson, Lake, Palmer) – 4:08
10. “The Hut of Baba Yaga” (Mussorgsky) – 1:06
11. “The Great Gates of Kiev (The End)” (Lake, Mussorgsky) – 6:29
12. “Nutcracker” (Fowley, Tchaikovsky) – 4:34

Feliz navidad a todos, no haremos un review muy largo solo porque es navidad y no tenemos ganas de escribir, así que les cuento que este disco es en realidad una obra del compositor ruso Modest Mussorgsky (Cuadros de una exposición) recreada en formato rock por allá por el año 1970 en el Festival de la Isla de Wight, esta demás decir que es un disco en vivo y de los mejores de la historia del rock.

De bonus track viene incluida una genial versión del “Cascanueces” de Tchaikovski.

Disfrútenla y recuerden EL VIEJITO PASCUERO NO EXISTE y no jodan mas ya están harto grandes.

Link en comentarios.

Prueba de sonido (2008)

David Ponce
Ediciones B

El periodista David Ponce se encargó de reportear, registrar y recopilar un gran número de grupos, músicos, historias y anécdotas del rock chileno, todo a partir de mediados de los años 50 hasta el año 1984, momento clave según Ponce, ya que es cuando Los Prisioneros comienzan a hacer ruido con “la voz de los 80” y nace Fulano, banda que marcaría un notorio cambio en la forma de hacer música y rock en Chile.

A través de “Prueba de sonido” podemos llegar a una comprensión acerca de la historia del rock en Chile, desde sus comienzos un tanto extraños (bandas de cumbia y jazz pasándose al bando del rock and roll), pasando por la década más sólida y sicodélica a la vez (bandas como Los Vidrios Quebrados, los Mac’s, Aguaturbia, Los Blops), el bajón que significó el golpe de estado y la proliferación de grupos de población y periféricos (el toque de queda afectó a TODO ámbito de la contra-cultura), llegando al heavy metal, el punk y la música más popera de los ochenta.

La gran apuesta del libro va por el lado documental, ya que no se han escrito, ni menos publicado, muchos libros acerca del rock en Chile (Favio Salas sigue siendo el gran referente, y le estamos muy agradecidos), por ende, esta obra, del tamaño de un elefante, viene a mostrar varias chispas y muchas luces acerca de la música rock, los personajes involucrados en su evolución, las historias iluminadas y los interminables problemas que siempre a enfrentado el rock en Chile, y deja muy en claro que el rock en Chile no comenzó con Los Prisioneros, si no, muchos años antes, cuando el circuito era aún mucho más reducido e insólito.

Algo muy interesante que presenta el libro es la idea de que Valparaíso sería la cuna del Rock Chileno, ya que es a través del puerto que llegan marinos con sus discos, sus instrumentos y el sonido del mundo anglo, presentando a Elvis, Bill Haley, The Beatles y un largo etcétera que alucina a quienes se enfrentan por primera vez a la música de guitarras eléctricas.

Relacionado con el puerto, podemos encontrar que la banda más presente en el libro es Los Jaivas, quienes forman parte más brillante de la música chilena, ya sea por su gran calidad como músicos y personas, su experimentación sonora, la fusión del rock y el folcklore y su exitoso paso por Argentina y Europa (donde Gabriel Parra habría sido selecionado entre los mejores bateristas del mundo), o por su extensa y notable trayectoria, siendo una influencia latente para muchas generaciones.

Muchas cosas se pueden encontrar en este libro, ya que aparecen bandas que ni si quiera lograron editar su material, por lo tanto, este libro reúne varios nombres, muchas épocas y un mundo subterráneo que por fin está al alcance de las nuevas generaciones, quienes nunca nos imaginamos que existiese tanta historia detrás del sonido chileno. Esta característica del libro se debe a su criterio: todas las bandas entran en la historia del rock, sin juicios de bueno o malo, sin un carácter crítico y selectivo, más bien, se pensó en un documento con valor para quien se interese en indagar y conocer acerca del rock.

No debemos olvidar que la idea del libro es mostrar lo que pasaba antes de que el rock fuese un asunto “masivo” a partir de los ochenta y su (desafortunada) entrada en la televisión y medios más masivos. Ahora hay que trabajar para difundir, informarse y seguir recopilando a los nuevos valores y nombres que engrasen las listas del rock chileno. Esperamos que entre todos podamos seguir alimentando la “pequeña” historia nacional del rock.

Alguien dijo por ahí que “Prueba de sonido” es un buen libro para el verano, pero, personalmente, creo que es un testimonio y un documento fundamental al tratar de unir cabos y juntar líneas en nuestra historia popular. Un excelente libro, mejor como instrumento de información rockera.

1. “I Am One” – 4:07
2. “Siva” – 4:20
3. “Rhinoceros” – 6:32
4. “Bury Me” – 4:48
5. “Crush” – 3:35
6. “Suffer” – 5:11
7. “Snail” – 5:11
8. “Tristessa” – 3:33
9. “Window Paine” – 5:51
10. “Daydream” – 1:55
11. “I’m Going Crazy” (pista oculta) – 1:00

La década de los 90 fue para varios de nosotros nuestra adolescencia, nuestro paso de niño a adulto y los años de nuestros primeros acercamientos a la música y al rock principalmente.
Por esos años moría el asqueroso sonido glam, que a muchos tantas arcadas nos daba (hasta hoy en día) en conjunto con sus personajes mas famosos como los Motley Crue, Van Halen y Cinderella, a su vez de la muerte nacía desde la mas completa indiferencia al consumo y el mercado del “establishment” una contra cultura que a la larga se convirtió en un objeto mas para el consumo y la venta, el grunge y el rock alternativo.
Ya sonaban desde hace años fuerte pero bajo aguas torrentosas, muchas bandas que no tenían cabida en el gran mercado musical gringo, tales como los Sonic Youth, Pixies, Mudhoney, etc bandas que a la larga se volverían conocidas, pero no precisamente por sus propios meritos, sino por “sus hijos” tales como Nirvana, Alice in chains o Smashing Pumpkins, como este caso.

Corría el año 91, entonces Nirvana y Pearl Jam monopolizaban los charts musicales, las ventas de discos y la popularidad, es ese mismo año una pequeña e insinuante banda de Chicago liderada por un vendedor de discos llamado Billy Corgan se posiciona al nivel de las grandes agrupaciones norteamericanas, gracias a su trabajo Gish, no era lo primero que grababan, pero este era el primero en un sello grande y el que los puso en los oídos de millones de fanáticos en todos los EEUU, aun así su siguiente trabajo seria el que los consagraría mundialmente (Siamese Dream de 1993).
Gish es un disco potente que se vio eclipsado por los monumentales “Nevermind” y “Ten”, aun así no paso desapercibido pues su fusión de hard rock, metal, oscuridad sonora inglesa a lo Cocteau Twins y rock alternativo cosecho elogios y nuevos seguidores.
Si bien Gish no alcanza los niveles de calidad musical de su predecesor, tuvo la gracia de poner a Smashing Pumpkins en la palestra del rock alternativo e instalar varios de sus temas como emblema de una generación.

Link en comentarios.

Coldplay se esta transformando a estas alturas en una de la bandas “mascota” para este blog, ya es tercera vez que los citamos y no por cosas muy agradables.

Al ya conocido plagio a Satriani que habíamos comentado por acá hace unos días (y el plagio a Bono, a Radiohead y a tantos otros), ahora se le suma un nuevo hecho, a Chris Martin se le salio que “habia pagiado” un tema al inolvidable Jeff Buckley para darle vida a otro single hiper famoso, “Shiver” y eso que ese tema me gustaba! sobre todo el video cuando explotaba el mundo, vahhh!

Cada día se entierra mas en un profundo pozo negro la autoproclamada “mejor banda del mundo después de U2”, no será mucho? Y no solo por eso sino por creer que U2 es la primera.

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Si les cuento sobre los “Gauchos de Acero” tal vez pensaran en un grupo argentino de rock, uno mas de la larga lista de buenas agrupaciones que tiene el país trasandino, pero no, estos gauchos no son una banda mas.

La gran diferencia de estos tres chicos salteños con otras bandas es que son hermanos y que sus edades fluctúan entre los 12 y los 16 años.

Desde pequeños sus padres los incentivaron y les mostraron la música y principalmente el rock, cuando los otros chicos andaban jugando fútbol ellos estaban tocando temas de Iron Maiden o de Deep Purple.

Eso es lo que han hecho, tocar y tocar y no lo hacen nada de mal! Tanto así que su blog a sido visitado por mas de 10 millones de personas en el mundo y sus videos son de los mas vistos de Youtube, también han sido invitado a programas de televisión en su país, han aparecido en un programa al estilo de “American Idol” donde tocaron un mix rockero (igual el baterista se pierde un poco en esa presentación, tal vez las ganas de tocar y la adrenalina hizo que se anduvieran descuadrando un poco)

Participaron invitados al festival “Cosquin” uno de los mas importantes de la música argentina y además son la cara de Motorola para su ultimo producto “Motoroker”.

Conozcan a estos chicos en su blog, y escuchen su música, ahora ya están componiendo temas propios.

Esta demás decir que su juventud les hace a veces pasarse de revoluciones cuando tocan, pero tienen un gran futuro musical y no me cabe duda que mejoraran esos ripios a medida que pasen el tiempo y se perfeccionen, como dicen los gauchos al final del comercial ¡Aguante el Metal!

Fíjense en la sobrinita de los chicos, se hizo tan famosa que incluso apareció en el comercial de motorola.

Tocando The Trooper

En el programa “Talento Argentino”

El comercial de Motorola

Su actuación en Cosquin, tocando “Sucio y desprolijo”

The Who – Tommy (1969)

1. “Overture” (5:21)
2. “It’s A Boy” (0:38)
3. “1921” (2:49)
4. “Amazing Journey” (4:24)
5. “Sparks” (2:46)
6. “Eyesight To The Blind (The Hawker)” (2:13)
7. “Christmas” (4:34)
8. “Cousin Kevin” (4:07)
9. “The Acid Queen” (3:34)
10. “Underture” (10:09)
11. “Do You Think It’s Alright?” (0:24)
12. “Fiddle About” (1:26)
13. “Pinball Wizard” (3:01)
14. “There’s A Doctor I’ve Found” (0:23)
15. “Go To The Mirror” (3:49)
16. “Tommy Can You Hear Me?” (1:36)
17. “Smash The Mirror” (1:35)
18. “Sensation” (2:27)
19. “Miracle Cure” (0:12)
20. “ ally Simpson” (4:12)
21. “I’m Free” (2:40)
22. “Welcome” (4:34)
23. “Tommy’s Holiday Camp” (0:57)
24. “We’re Not Gonna Take It” (7:08)

El cuarto álbum (doble) de la legendaria banda inglesa fue considerado el primer disco conceptual en la historia de la música rock.
Tommy es un disco fascinante, si alguien vio Almost Famous, recordara la escena cuando la hermana del protagonista induce al chico en el rock mostrandole los primeros sonidos de Tommy en un viejo tocacinta.

Este disco de The Who es bello e ingenuo al compararlo al resto de los discos conceptuales que le sucedieron, pero no menos interesante.
Me recuerda los primeros sonidos lisérgicos de Sid Barret y su “At the piper at the gates of dawn”, todo esto mientras el tocacinta ya nos deleita con los riffs de “Amazing Journey Sparks”.
Sicodelia, Beat y experimentación es lo que se unió en la juguera mental de Townshend
pues el es el compositor de gran parte de esta historia por no decir de toda.
Cuentan que después de oír “S.F. Sorrow de The Pretty Things” (el primer álbum de rock conceptual que contaba una historia) Pete Townshend se inspiro e imagino Tommy,
¿entonces que es lo que lo hace el primer disco conceptual de la historia del rock? El grado de cohesión y unidad de la trama, que el predecesor protoconceptual no tenia.
La reina acida, Underture, Miracle cure, Christmas, no quieren que el tocadisco deje de sonar.
Tommy Can You Hear Me?, aun nos puedes escuchar? Nosotros si podemos, es por eso que les recomiendo que corran a su tienda mas cercana y lo consigan porque una obra como esta, historia pura de la musica no puede quedar sin entrar a sus oídos.

En los comentarios encuentran el link.

Mas datos de Tommy

Este álbum tuvo un gran impacto mediático en el año de su edición, y su single Pinball Wizard estuvo entre los mas escuchados en las listas de música inglesa, fue tanto el éxito que se transformo en película en el año 1975 (con el cantante Roger Daltrey interpretando a Tommy y con la participación de personalidades como Elton John), y más tarde como musical de Broadway (en 1993).
El álbum fue relanzado en formato CD en 1984, pero solo fue editado en un solo CD en 1996.

Oceansize – Frames (2007)

1. “Commemorative _/__ T-Shirt”
2. “Unfamiliar”
3. “Trail of Fire”
4. “Savant”
5. “Only Twin”
6. “An Old Friend of the Christies”
7. “Sleeping Dogs and Dead Lions”
8. “The Frame”

¿Que es Oceansize? una banda Inglesa de prog-rock formada en Manchester por allá por 1998.
¿Que mas nos cuenta esta banda? que a pesar de llevar casi 10 años de trabajo tan solo nos han entregado 3 discos y varios EPS.
¿Que es Frames?
Frames es su ultimo disco y no solo eso, el punto culmine de sus anteriores trabajos, y esto no lo digo yo, sino las innumerables publicaciones que le han dado a Frames el sitial del mejor disco de prog-rock del año 2007.
Oceansize, nos lleva por distintos sonidos, lugares y estilos, desde el progresivo atmosférico de Porcupine Tree hasta sonidos mas ligados al Post-Rock como Sigur Ros, también nos recuerdan pasajes por Radiohead y Tool.

Debo confesar que siento un sonido grunge 2.0 estilista a veces, quizás eh ahí el lado post rock, las influencias de quizás un Pearl Jam o un Temple of the dog han de estar guardadas por ahí al igual que la fascinación por la melodía y la sutileza, el gusto de Oceansize se aproxima a las atmósferas y a las sensaciones.
Las tres guitarras le dan ese clima especial, ese rico sonido que de verdad te hace dejarte llevar.
El vocalista me suena a veces, a un Dave Grohl cantando “Walking Alter you”, y mantiene la misma intensidad cuando la canción sube la potencia y llega al climax, Vennart sabe mantener el éxtasis y no se desenfrena ni pierde la melodía, tampoco el power.

Consíganlo, de verdad Oceansize refresca nuestros oídos en especial en estos meses, cuando el viento corre mas fuerte y las tarde-noche refrescan los calurosos días.
Links en los comentarios.

Discografía
• Effloresce (2003)
• Everyone Into Position (2005)
• Frames (2007)
Miembros
• Mike Vennart / guitarra, vocalista lider
• Steve Durose / guitarra, voces
• Gambler / guitarra
• Jon Ellis / bajo
• Mark Heron / Bateria